爵士鼓(如何系统学习爵士乐？JZSchool爵士鼓博士徐之曈详细解读)
作为一个爵士鼓手，既会听和声色彩，又能做Bandleader，是一种什么样的体验......
作为一个爵士鼓教师，对于学生，既能给予专业上指导，又能提供精神上的支持，是一种什么样的体验......
在疫情封控了三个星期后，我们决定将全日制的部分公共课转为线上网课，除此之外，还为全日制的同学开展了纯对内的“答疑解惑”活动，请老师来和大家聊聊天，并解答一些相关问题。当然，聊天内容可以包括但不限于专业知识、情感咨询、美食分享等等。
结合统计下来的数据，上周请来了“呼声”较高的徐之曈老师，可以说他是 JZ School 最具人格魅力的老师之一。
“对于我来说所有的音乐风格只不过他的玩法不同而已。玩儿的东西不一样，但是最后你会发现，所有的音乐好的那一面，到顶点的那一个点，追求的这个点都是一样的。”
作为90后年轻一代爵士音乐家的他，更是对专业、教学、亦或是音乐本身有着独到的见解和认识。
同学们叽里呱啦地问了很多问题，本来预计75分钟的活动，最终聊了三个小时.....
*以下是我们总结的问答干货*
料很足，收获很大！
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徐老师在JZ School上大师课
鼓、律动和曲子走向
01 如何听曲子节奏组的律动？选节奏组里的哪个声音作为参考？
首先我们要清楚，节奏组一共有几个乐器。第一个是鼓。第二是贝斯，第三钢琴，第四是吉他，这四个乐器被称之为 rhythm section，节奏组。
我们这四个乐器虽然都是节奏组，但是它的作用是不同的。鼓的作用是影响整个曲子的走向、起伏、段落跟段落之间的衔接、律动的变化等等。
贝斯的作用一是律动节奏，二是整个曲子的和声性质，他要做得很清楚。
钢琴负责和声色彩。他要把色彩做好，吉他其实跟钢琴的作用是一样的。
当我们听曲子节奏组的时候，要去看这个曲子是围绕着什么。有的曲子是以律动为主的，那他和声可能很简单，我们主要听鼓跟贝斯的律动。
有的曲子以和声色彩变化为主，那你要去听钢琴，听钢琴的色彩是怎么弹的，Version是怎么弹的，律动是如何融入到和声里的，他们的关系是什么。
有的是以旋律为主的，那吉他需要做很多旋律的工作，或者很多 Groove 的工作。你自己去找平衡就好了，因为每个段落大家都围绕一个核心嘛，你只要把这个核心判断出来了，大概就知道应该以哪个乐器作为参考。
02 作为其他乐器的演奏者，怎么样从鼓的演奏中，扒（学）到一些东西？
听鼓的话，主要就是听它给你带来什么样的律动跟曲子走向，我觉得这是鼓这个乐器最能给曲子带来的东西。
比如说，强弱的走向，激烈跟不激烈，一般都是鼓手影响整个曲子。钢琴没办法像鼓那样轻松地就能带着整个曲子走。
所以我觉得这是鼓这个乐器它的一个优点。当然也是缺点。如果控制不住的话，整个音乐就容易失控。
所以你听鼓的时候，不用特别明白他右手在干嘛，左手在干嘛，要听一个整体，他整体想表达的句子的走向。
他是上行还是下行？他带来的曲子的音符的律动是密集还是松弛？他给你留了很多空间，还是他塞满了很多？其实管乐跟鼓之间的关系，很多时候就是谁去填这个空间的事情。
尤其管乐我会特别注意，他的句子什么时候起，什么时候停，他停的时候停多久。当他起了一个激烈的句子的时候，我是把它让出来，还是跟他去做类似动机的句子。你可以这么去听鼓，他到底想影响曲子往哪个方向走。
03 如果一个乐队里有两个鼓，作为一个鼓手，需要考虑什么？
我会更注意的是去分配我的音域，就是说我们两个鼓干的事情不能在同一个音域里，这个是需要主要去思考的一个问题。比如说这个曲子这个段落，谁是中高音区谁是低音区。
但这个主要还是即兴，如果说另外一个人已经选了偏中的（音域），那你就自然而然地往高处去就好了。
04 鼓和贝斯的正拍,一定要合在一起吗？
不一定。
一个鼓跟一个贝斯，两个人都去玩四分音符，一个打 Ride，一个弹 Walking。有时候他俩是 100% 在一起的，有时候贝斯比鼓前“一点点”，他带领着鼓，然后他俩一直等量地这么进行。有的时候是鼓在前面，带领着贝斯。这个就是看鼓手跟贝斯手之间合作的感觉和默契是什么样的。
但这里的“一点点”是很细微的，只是感觉上的“一点点”，音符都是准的，只是感觉在鼓手前面或者在鼓手后面。
Swing 和三连音
05 在你的节奏课里，为什么要先教大家练 16 分音符，再练三连音呢？
其实大家更习惯 16 分音符，因为 16 分音符比三连音要容易，它的感觉要比三连音更容易找到。
三连音你想把它做好的话，其实是很难的，他的感觉比 16 分音符要难。所以你为什么玩 Swing 的时候，觉得爵士八分音符很难去做，或者很难去找到三连音的那个感觉，因为他不是整数，可以这么去理解。
所以，在课程安排上，16 分音符第一学期的时候学，三连音第二学期学。
06 Swing 是不是三连音？
爵士八分音符，它不一定是三连音。它可以是宽一点的，也可以是窄一点的。那为什么我们还要去练三连音呢？
首先三连音，它是最容易能帮助你找到 Swing 感觉的音符。抽象一点说，你觉得爵士八分音符以什么标准来衡量？没办法衡量，也没办法去固定。我们刚开始学的时候，肯定要有一个标准化的东西，那就是三连音。
从音乐的感觉上，他能让你最快、最容易找到 Swing 的连贯性，以及 Swing 的感觉。
其次，当你能做好三连音的时候，你也可以做好宽一点和窄一点的东西。这就是我们练三连音的原因，一定要练三连音。
07 以前有人说我的 Swing 不够 Swing，怎么样去判断？
首先 Swing 不够，我觉得很大的一个原因是你演奏的音符不稳定。如果你从头到尾所有的爵士八分音符都一样的话。那他肯定会稳定，就会觉得很 Swing。
如果这一拍和下一拍不一样，或者军鼓用的八分音符，跟 Ride 上的爵士八分音符不一样，那他就会一直捣乱，有杂音，律动上就会左右晃。
这种“不稳定”让人很难听进去你的律动，所以就不会很 Swing。解决的办法，就是拿三连音去练，三连音练好了之后，你就能控制好你自己。
稳是第一步，然后是音色，之后还有很多工作要做。
练琴、Solo 和调性
08 不想练琴的时候,怎么跟自己和解？
不管是什么样的乐手，他都有苦练琴的一段经历，不管是谁都有这么一个经历。我们其实就回头去想，你现在是不是处在一个这样的阶段呢？
如果处在这样一个阶段，你不想练琴的话，是没办法跟自己和解的。因为这段时间不是自己逼自己，就是别人逼自己。
我说的这个稍微有点绝对，但是学音乐嘛，技术工种，你不经历这样的一个过程，是没办法学明白的。
不想练琴的时候，跟自己和解的方式有很多，我可能不是在乐器上去练，有可能我是听音乐去学习。我有很多其他事情去做，但也可以尽可能地去跟音乐沾边。
09 会不会在某一段时间,觉得自己弹的东西怎么听都很不好听？
我经常有这样的阶段，我觉得有这样的阶段不是坏事。一般这样的阶段之后，迎来的就是进步，你会有一些新的东西出现。
那你怎么能度过这个阶段，你要去合理分析当下不满意的点。你是因为演奏乐器的技术方面，还是因为音乐性方面。
他永远是两个平衡木。我这段时间音乐性好一点，技术不好，那我需要去练很多能力方面的事情，去练技术。
这边练好了，你会发现很多下意识的东西并不能主动控制，音乐性不行。那你需要听很多音乐，尝试很多跟音乐性有关的练习。
永远都是这么进步的，你不可能一个进步很多，然后另外一个不动，这是不可能的。所以说我们最快的进步方式，其实就是你能合理地分析出你自己目前处在什么样的阶段，我到底是技术欠佳还是音乐性欠佳，然后需要补哪个。
10 自己的音乐喜好比较单一怎么办？
我觉得这个没问题。如果你担心会影响自己吸取不同元素的话，可以多看演出。很多时候我们开始喜欢新的东西、喜欢新的风格，大多是因为看演出来的，而不是只听歌。
你如果对一个东西觉得无感，但是你觉得这个是有必要的，那我的建议是你去看一看跟这方面有关的演出。现场演出会对你有帮助，比你听歌要好，因为现场演出会直接刺激到人。
听音乐只能让你合理地去分析，让你更理性，但是现场的演出能刺激到你的某根神经。
我有几次，在音乐上很大的改观跟进步，都是看演出看来的，我甚至可以清楚说出哪场演出给我什么样的刺激。所以我的建议是多去看现场演出，这个是比较重要的。
11 一位 Sax 手提问：Solo 的时候如果状态不好，大脑会一片空白，这种情况怎么去避免呢？
所有人演出都是看心情、看状态的，这个状态会影响你大脑想的多少，紧不紧张等等。
所以第一，上台的人都要脸皮厚一点。第二，演奏的时候，尽可能地去思考一些句子。你是以句子的形式去 Solo，而不是想我右手要干嘛，我左手要干嘛，练过哪些套子，练过哪些节奏型。
其实你跟萨克斯 Solo 的时候想的东西是一样的，只不过是把这些安排在鼓上。我们要从低音到高音，我们也是在打旋律。只不过鼓这个乐器，它没有那么具体的音程。这是缺点也是优点，因为没有具体的音，所以我们容错率稍微高一点。我们可以靠演奏者的想象把它丰富起来。
12 扒带对 Solo 有帮助吗？
我鼓励所有鼓手都去扒带，扒带很重要的点在于，你去学他们的句子的表达方式。他们如何去构建句子，如何处理前后句子的关系。
然后你用这个来练手，我并不希望你们演奏的时候演别人的 Solo，这个东西没用，那个不是你，那是你扒的那个人，但我们可以通过他的思路去学他组建句子的逻辑。
13 鼓手要在 Form 里面 Solo 吗？
我们所有的鼓 Solo 都一定要在 Form 里面，鼓 Solo 不是随便多少个小节就 Open 好了，鼓手 Solo 在 Form 里的话，那所有其他的乐手也要在鼓 Solo 的时候去数小节，要真的跟着这个曲子的 Form 走。
如果是对和声色彩很敏感的鼓手，它会根据曲子的和声色彩去 Solo。刚才有人问，“鼓手 Solo 的时候我丢了怎么办”，有两种可能，一种就是你丢了，另一种是鼓手丢了，在有段落的前提下，你们之后就要自己盘，到底是谁丢了。
14 句子的构建有哪些因素？
我构建一个句子的时候，会去找他的这个想法是以什么的 motive 作为起点去发展的。大概分析完了之后，看这个动机在前面后面有没有出现，前后句有没有关系，然后再去分析。
比如我们有一种说法，叫乐句有 Question 和 Answer 。有的句子是提问的句子，有的句子是回答的句子，那我怎么让我的句子有提问的感觉？有的时候可能用的未解决的音，有时候用的是节奏，比如说用一些 up beat 的节奏作为 问句。有些时候我用解决的音，用一些下行的句子，或者说 Down Beat 的节奏。
你去分析前后句的逻辑，分析哪个 Answer 是回答前面的 Question ？有几个 Question 几个 Answer，它持续了多久？它持续了一个 Form 还是两个 Form，还是持续了八小节，或是持续四小节？他什么时候换成另外一种感觉的句子？他围绕什么去做？这都是扒带要去分析的东西。
15 同样的调性可以表达不一样的色彩吗？
我可以给你讲个故事，这个故事不是我经历的，是我的一个学弟，去找一个德国的玩 Free 很厉害的一个鼓手上课。那个鼓手问的第一个问题，就是你能给我打出一个小七和弦感觉的句子、内容跟 Solo 吗？
然后学弟就一脸懵。之后他问，能演奏出一个大调的吗？或者能演奏出一个 sus，能演奏出合成色彩的东西吗？然后那个鼓手说，我现在给你演示，然后他演奏出来的就是那样的感觉。
这就回归到这个东西的本质：和声，调性是什么，它就是色彩。如果你对这个敏感的话，色彩影响的是你的情绪。如果你能在这个情绪里选择合理的声音，它符合这样的色彩，那这个东西就是调性。就看你敏感不敏感了，这世界上是有人可以做到的。
16 Vocal 需要涉猎乐器吗？还是要自己模仿乐器？
我觉得你不需要去模仿任何乐器，因为在 Solo 的时候，你自己本身就是个乐器，你为什么要模仿别的乐器呢？
在所有乐器里面，歌手是最难的，因为你需要比所有的乐器多一个步骤，因为你需要练歌词，要学歌词跟你的发音等等，这是所有乐器都不用考虑的。这是唯一一个需要歌手额外去做的事情，而且这个东西特别难。
我觉得有两个方向，一种是带歌词的，你作为一个歌手在整个乐队的前面去演唱，第二种是你把自己当做一个乐器。
所以为什么你们是 Vocal，而不是 Singer，Vocal是人声嘛。你要把自己当一个乐器，作为一个乐器，其他乐器怎么练的，你就需要怎么去练，而且你是需要拿你的肉身去练，拿你的嗓子去练。
你去练solo，所有的和弦音，所有的包围音，所有的解决，所有的这些套路你都要会，你都要知道你唱的是什么音等等。这些都是歌手要做的，所以歌手其实比所有乐器都难。国内 and 国外。
17 国外的本科、硕士跟博士的演奏专业，有什么本质性的差异？
我觉得国外比较好的一个点就是，它比较清楚的知道他要什么样的学生。所以他本科、硕士、博士的课程安排得比较合理。
美国的方式和欧洲可能会不同，在美国你需要自己很拼。欧洲是整个教育系统就让你慢慢学，你也没什么事情做，你就练琴，跟着他学，就能学得差不多。在美国你需要自己很清楚你要什么，因为机会多、人也多，你需要自己去拼一些东西出来。
别的我可能给不了什么建议，德国的话本科教育其实是比较偏基础化的，跟我们目前 JZ School 的课程安排比较像。
他希望你本科毕业能达到的水平是有一些自己的想法，自己的曲子。硕士是在这个基础上，通过两年的时间来帮助你实现音乐上的想法，你想要干的事情，想要玩的东西，以及所有都是成型的。
按理来说，硕士毕业之后，你是可以在这个社会上立足的。有演出也好，有教学也好。所以他整个硕士的课程安排，没有那么基础。课程量也会比本科要少很多，因为它需要学生有时间出去演出，去跟社会挂钩，比如他教你怎么去混音，教你如何出 CD，维护你的版权等，这方面的课会比较多。
等到博士的时候，德国的演奏类博士虽然不需要写论文，但要准备 1-3 场毕业音乐会，每个学校要求不一样。入学比本科硕士竞争也要大一些，比如说我本科的话，一个专业录取两个或三个，硕士的话，基本一个专业只录取一个，学校规模大一点的话录取两个。博士是学校所有专业算起来，一起考试分配名额，跟所有的专业合在一起去评判。学校会出一个评委组，这十个老师会有钢琴系、弦乐系、管乐系的教授们，他们给你评判，最后全学校大概 10-15 个名额吧，每个学校情况也不太一样。
比如说我考的时候，下面全是古典的老师，没有人懂爵士是什么。他们要给你评分，要决定你入不入，还要跟他自己的学生竞争，整个学校可能也就十个名额，全学校所有学生加起来十个名额，他要分一个给爵士系，所以这件事其实是挺难的。
德国是入学难，毕业也比较难。他不像国内上了大学基本就能毕业。我有很多同学从大一读到大三，大四时曲式分析没过，结果被开了。学校的秘书办事快一点，两周就把退学手续给你办好，还没反应过来，你这个专业全德国都上不了了，就只能去别的国家，因为它都是联网的。
18 如果说，各方面条件不足以支持出国学习的话，在国内的五六年时间里面，也可以实现爵士乐入门吗？
我觉得这就是 JZ School 在做的事情。找的这些老师也好，学校做的事情也好，其实就是让国内的这些人可以有这样的一个教育。其实老师、内容这些跟国外是一样的，大家努力就好了。
可能一年不够，那你需要两年、三年、四年，有一个好的专业老师可以引导你的话，其实是一样的。社会上演出的机会也能帮助你提高，我觉得是可以达到的。创作和未来发展
19 你怎么看待那些相对比较容易、适口性比较强的音乐？
对于我来说所有的音乐风格只不过他的玩法不同而已。玩儿的东西不一样，但是最后你会发现，所有的音乐好的那一面，到顶点的那一个点，追求的这个点都是一样的。
国外上学遇到的学古典的比较多，周围没什么学爵士的人，但你也跟大家一起聊，聊很多音乐。
从音乐的角度出发，你会发现大家聊的东西其实是一样的，只不过我们演奏音乐的方式不同。
20 如果我做出来的东西，大众不接受呢？
我觉得「能不能被大众接受」这件事情是靠运气的。
不管这个东西是做给我自己，还是做给市场，在艺术层面上自己要过关，剩下的事情，只能是交给别人了。
21 真正好的音乐未来在哪里？我们能做些什么？
这是个很有意思的话题，大家其实都在掌握这个平衡“市场商业/和自己的艺术追求”。很多人会认为自己搞的艺术，那我不应该向市场/商业妥协，会比较坚持自己的内容。
另外一部分人不考虑这个东西是不是自己喜欢的，他只考虑这个东西是不是市场需要的，然后去做些比较能商业化的内容。这两个极端情况其实是我们会看到的，我希望大家在这两件事情中找一个平衡。
如果我们回头去看那些艺术家跟大师，你会发现这些人都在商业跟自己的艺术性中间找到了平衡点。我觉得如果你能找到像一个开关一样东西，把这两件事情分开，是比较好的方式。
比如说，如果我计划做专辑的话，可能我会做一张满足我自己内容的专辑，那你只需要考虑你想尝试的内容就好。做第二张的时候，就可以考虑能不能在当下这个时代点找到一些平衡，又符合当下市场的内容，但是专辑的内容又是自己觉得可以接受，能符合自己艺术追求的。
当然这件事情不是一个绝对的事情，每个人会有不一样的想法，所以音乐才会变得多元。
“我们全面积累了很多东西，那些东西就是为了让我们后面不用思考那么多，不需要通过理论来支撑我去演奏音乐，就是根据我自己当下的，比如说我的情绪，根据我当下的感觉去表达音乐。”
作为一个爵士鼓演奏家，他结合理性与感性进行的创作与表达，影响了一批初入爵士的新人。
在本次活动中，不同专业的同学都从中有所收获。他不仅仅为大家解答了专业上的困惑，同时也大大鼓舞了一些疲倦的同学，提高了他们的练琴动力，并激发他们的思考。
那么，希望正在看这篇文章的你
也能够保持积极的心态面对爵士
